LA LUZ DE UNA ESTRELLA

Toda la magnificencia de Marilyn Monroe en su llegada triunfal a Londres; para la filmación de "El príncipe y la corista" (Laurence Olivier, 1956/57)

Estaba en "la cima del mundo" y se le notaba por todos los costados !

Muchas veces se habla de su vulnerabilidad, de sus inseguridades,  pero cuando uno la ve bajar de ese avión, caminar por ese aeropuerto,  es como que nunca nadie caminó como ella !  Es el andar de una reina, de una emperatriz, o mejor dicho de una  estrella, de una Diva  (todos términos que a ella le calzan como un guante)  pero sobre todo de alguien que tiene plena conciencia de su poder !

El viaje lo hizo con su entonces marido Arthur Miller, y en el aeropuerto la esperaban nada menos que Laurence Olivier y Vivien Leigh  (que con todo lo que ambos significaban y representaban parecían empequeñecidos frente a LA LUZ que irradiaba la presencia de Monroe).

Cuenta la leyenda que fue la propia Leigh que convenció a Olivier para que Monroe fuera la protagonista femenina de la versión cinematográfica de "El príncipe y la corista".  Obra teatral que ellos habían representado durante varias temporadas en Inglaterra,  Vivien se sentía "vieja" para asumir el rol de Elsie en cine (tenía 42 años)  Una cosa es "actuar" la juventud de un personaje en teatro y otra muy distinta en el cine, donde el primer plano te puede destruir "la actuación".

Marilyn tenía deslumbrantes 30 años y esa oportunidad significó algo así como "tocar el cielo con las manos".Tabajar con el mayor intérprete de habla inglesa era la posibilidad de ser respetada, tal vez por primera vez !

La relación fue muy difícil, no hubo mucha empatía entre ambos,  venían de mundos opuestos y sus personalidades chocaron todo el tiempo.  Pero hubo algo que sostuvo TODO (aunque sea por supervivencia y necesidad)  ambos eran productores de la película  (en el caso de Monroe debutaba con su propia productora en este filme)  y estos intereses hicieron que lo pragmático y lo cerebral prevalezca por sobre los arrebatos emocionales.

Por fortuna la película llegó a muy buen puerto, se convirtió en una de las grandes comedias de la historia del cine, donde "la formación académica" de Olivier se contrapuso de manera magnífica con "la autenticidad" de Monroe. Y de yapa fue un suceso de taquilla mundial.

El inolvidable desenlace de "El príncipe y la corista", donde el personaje de Elsie -tal cual Cenicienta- se retira del palacio con la dignidad de la gente de bien, la sensación de "el deber cumplido" y de haber vivido un sueño impensado, aunque no exento de un rasgo de melancolía por todo lo vivido,  donde vuelve a ser quien era: una simple corista.

LA POESÍA DE LO IRREMEDIABLE

 

ÉRASE UNA VEZ EN AMERICA (Sergio Leone, 1984)

Con un relato que abarca cuatro décadas durante su desarrollo, la película cuenta la historia de David "Noodles" Aaronson y sus amigos judíos: Max, Cockeye y Patsy. Desde la crónica de su infancia en el proletario barrio hebreo Lower East Side de Nueva York en la década de 1920 hasta el inicio y evolución de su carrera como gánster durante los años de 1930, cuando, como consecuencia de la Ley Seca, se convirtieron en algunos de los mafiosos más importantes y poderosos de la ciudad. Culmina con el regreso de Noodles a Nueva York en 1968 tras el fin de un exilio voluntario que él mismo se impuso para romper con todo ese mundo. Sin embargo, en el momento de su vuelta a la ciudad se enterará de la verdad sobre el destino de sus amigos y deberá enfrentarse de nuevo a las pesadillas que vuelven desde el pasado para acecharle.

Muchas veces se contrapone "Érase una vez en America" con "El padrino", se menciona el sentido trágico y crebral de la película de Coppola, con un "exceso de romantizacion o melancolía de la violencia" en el filme de Sergio Leone (Famoso por sus spaghetti western como "El bueno, el malo, y el feo", "Por un puñado de dólares")

Es indudable que el filme está narrado con un lirismo poético de belleza deslumbrante ! Pero no elude en ningún momento toda la carga de violencia y tragedia de la historia y mucho menos lo que cada uno de los personajes SON, es decir mostrados en toda su dimensión humana, con su ruindad, pero también con todas sus carencias. Y es ésta la gran diferencia, en la película (o las películas) de Coppola los personajes son de un cinismo atroz ! Exasperante ! Hasta eran capaces de predicar valores familiares "con las manos manchadas de sangre", sin que se les caiga la cara por ello !

Aquí los personajes son muchisimo mas autenticos, sus errores y aciertos son absolutamente individuales, SOLO DE ELLOS ! "No están protegidos bajo el paraguas de un clan familiar". Y aunque no lo digan en palabras, se percibe en algunos de sus rasgos, que en el fondo hubieran querido ser otra cosa a lo que son, pero no les quedó otra que SER ESO !

La mayor grandeza del filme de Leone, es que aun siendo monumental en su puesta en escena, curiosamente NUNCA deja de ser una película profundamente intimista; lo que le pasa a los personajes es mucho más importante que las historia de gangster y mafia; las vivencias personales, las historia de amor, de amistad, lealtades, traiciones, fracasos, y triunfos, es lo que realmente cuenta !

Párrafo aparte para Robert de Niro, deslumbrante al frente de un elenco excepcional.

UNA DE LAS MAS GRANDES PELÍCULAS DE LA HISTORIA DEL CINE

👉 La maravillosa banda sonora de Ennio Morricone

LA INMADUREZ EMOCIONAL

 

ERRANTE CORAZON  (Leonardo Brzezicki,2021)

Santiago es un hombre quebrado emocionalmente, que parece no tener ningún tipo de eje y está totalmente a la deriva en su vida personal. Junto a Laila, su hija adolescente, vivirá lo que parece ser un verano caótico en Argentina y en Brasil, pero termina siendo un punto de inflexión en la relación y vidas de ambos.

Excelente, audaz y durísima película sobre un hombre inmaduro emocionalmente, que parece más adolescente él que su propia hija, y para colmo de males vive su sexualidad al límite de TODO

Leonardo Sbaraglia y Alberto Ajaka

La pelicula es de una solidez y una concepción cinematográfica absolutamente moderna, sin ninguno de los vicios que se le achacan siempre al cine argentino.

Y tiene un trabajo excluyente de Leonardo Sbaraglia (merecidamente ganador del Condor de Plata y el premio Sur al mejor actor 2021) que confirma su gran presente profesional, más allá de lo que diga la taquilla (Ricardo Darín y Marilyn Monroe nacen una sola vez en la vida)

Junto con el delincuente de "Plata quemada", el yuppie pedante y racista de "Relatos Salvajes" y el lisiado de "Al final del túnel" me pareció de lo mejor que hizo actoralmente en su ya prolífica carrera cinematográfica.

Disponible en HBO MAX

Miranda de la Serna y Sbaraglia 

ÏCONOS DE UNA ÉPOCA DE RUPTURA

Fascinante documental de Ethan Hawke sobre una de las parejas más emblemáticas de la historia Hollywood. No solo hay homenaje y admiración por los protagonistas (además de un repaso maravilloso por la filmografía de ambos) también hay pasión, y un profundo amor hacia ellos. 

Y eso se nota en cada fotograma !

Disponible en HBO MAX

Leer critica de Micropsia Aquí

"La poesía amarga del cine italiano"

 LA ROMANA  (Luigi Zampa, 1954)

Adaptación de la célebre novela de Alberto Moravia y clásico del cine italiano de los años '50.

El filme narra las desventuras de Adriana, una humilde y hermosísima joven durante la Italia fascista de Benito Mussolini.  En el marco de esa sociedad oprimida, sumergida en la pobreza y la falta de oportunidades,  la madre de Adriana ve en la belleza de su hija "una tabla de salvación económica", y quiere "casarla bien" a cualquier precio,  cueste lo que cueste !  Pero Adriana no es tan ambiciosa ni tiene las ideas tan claras como su madre, se enredará con un chófer de poca monta,  y tiempo después descubrirá que es casado y con una hija,  tras este desengaño y el desprecio de su propia madre,  casi sin darse cuenta Adriana va terminar en un espiral de frustración tras frustración, prostitución, mafia y crimen. 

Franco Fabrizi  y  Gina Lollobrigida 

En su esencia la película es un folletín puro y duro con contexto social, tiene como límite esos códigos morales tan propios de la época (hoy esta misma historia se hubiera contado de una forma mucho más descarnada)  pero Zampa se las arregla muy bien para imprimirle ese toque de poesía amarga, tan propia del folletín y tan característica del cine italiano !  (Ese sentido profundo de lo irreparable, de lo irremediable)

Por otra parte tiene a una protagonista cabal, en esa mega estrella que fue -es todavía- Gina Lollobrigida, además de todo lo que tenía físicamente  (esa cintura que parecía esculpida por Leonardo da Vinci)  cada vez que le daban un rol con contenido demostraba que sabía actuar !

Junto con Sophia Loren, y Anna Magnani, las tres actrices de mayor éxito, fama y proyección internacional que dio el cine italiano.

LA SOBREVALORACIÓN

 

Tony -el protagonista de la historia- cambia después que su esposa muere, se vuelve un ser amargado, lleno de rencor y busca todos las formas posibles para castigar a los que lo rodean como consecuencia de esa pérdida y de ese dolor.

Por recomendación de algunos críticos me puse a ver esta sobrevalorada serie; los dos primeros capítulos me resultaron francamente insoportables -una especie de teleteatro filosófico- después con el correr de los episodios la causticidad de los diálogos y algunas situaciones de genuina sensibilidad la fueron rescatando de la pesadez y se tornó más interesante.

En su "amor", casi obsesión por todo lo relacionado con la muerte y por el humor cáustico que tiene; le vi varios puntos en común con "El método Kominsky".

Ahora que ya vi todas las temporadas disponibles y que le puse la "mejor onda" capítulo a capítulo, me parece una serie indefendible ! No sé, tal vez sea una cuestión de piel, pero va más allá del "me gusta o no me gusta",  por lo menos tengo razones lógicas para que NO me guste !

Además de todo el tema de la muerte, donde temporada tras temporada se escarba siempre sobre lo mismo, me parece horrible como están presentados algunos de los personajes de la serie, por ejemplo el adolescente obeso, hijo de la novia del fotógrafo del diario donde trabaja Tony, cuya madre piensa que es gay y está obsesionada para que "debute sexualmente" y es un pobre muchacho lleno de complejos ! Otro es "la prostituta del pueblo", que está a años luz de ser la de Julia Roberts en "Mujer Bonita" (algo que me parece muy bien) el problema es que se va al otro extremo ! Aquí es presentada como una mujer envejecida, desgastada por la vida, grotesca y decadente a más no poder ! Hasta camina con las piernas entreabiertas (como ironizando que está así "de tanto abrirlas") otro tanto con el "el cartero del pueblo" que también es un personaje grotesco y escatológico hasta lo imposible ! También hay otros discutibles pero estos son los peores.

Todo esto mientras que Tony el personaje que interpreta Ricky Gervais  (protagonista y autor de la serie) es presentado como un neurótico, un amargado, un resentido (y que también es legitimo que se lo muestre así)  su personaje mira todo -y a todos-  "desde arriba", cayendo siempre "bien parado". Lo grotesco, lo ridículo, lo degradante, lo humillante, "la tierra encima" es para los otros, NUNCA PARA ÉL !.

Si Gervais quiere practicar un "Humor Hiriente" que empiece con él ! Con su propio personaje ! DE LO CONTRARIO NO VALE !

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UN GRANDE OLVIDADO

https://vadevagos.blogspot.com/2015/08/dieterle.html?m=1&fbclid=IwAR11jNCTXS1QWWu2ERX92p05TDxpgtmU4LqQ2xaGlUvvYitEjb4Tn9QcE0o 

UNA VIDA ROBADA

"Son tan agradables las noches de estío en Caulfield. Huelen a heliotropo y jazmín, a madreselva y trébol. Las estrellas son aquí cálidas y amistosas, no frías y distantes, como en el lugar de donde vine; parecen pender sobre nosotros, estar más cerca de nosotros. La brisa que agita las cortinas en las ventanas abiertas es suave y dulce como el beso de un bebé. Y si uno escucha, puede oírse el ruido de las hojas de los árboles al darse vuelta para seguir durmiendo. La luz de las lámparas que sale del interior de las casas cae sobre el césped en largas láminas doradas. He ahí la tranquilidad, el sosiego de la paz y la seguridad perfectas. Oh, sí, en Caulfield las noches de estío son agradables.

    Pero no para nosotros. 

También lo son las noches invernales. Las noches de otoño, las noches de primavera. Pero no para nosotros, no para nosotros.
La casa en que vivimos en Caulfield es tan agradable. El tono verdeazul de su césped, que siempre, a cualquier hora del día, parece acabado de regar. Las refulgentes, agitadas ruedas de los aspersores en perpetuo movimiento, girando constantemente; si se los mira desde bastante cerca formarán arcos iris para nosotros. La perfecta, pronunciada curva de la entrada de autos. La deslumbrante blancura de los pilares del porche a la luz del sol. Dentro, la pura simetría de la barandilla descendente, que corre pareja con la oscura y lustrosa escalera a la que acompaña desde arriba hasta abajo. El brillante acabado de los ricos pisos de antaño, que despiden un olor a cera y esencia de limón si uno se para a oler. La blandura de las espesas alfombras. En casi todas las habitaciones, algún sillón favorito esperando para recibirlo a uno como un viejo amigo cuando se retorna para pasar un poco de tiempo en su compañía. La gente que viene y lo ve dice:
    —¿Qué más puede haber? Este es un hogar, como el hogar debería ser.
    Sí, la casa en que vivimos en Caulfield es tan agradable.
    Pero no para nosotros.

Es tan adorable ver cómo crece nuestro niño, nuestro Hugh, de él y mío, aquí, en Caulfield. En la casa que algún día será de él, en la ciudad que un día será la suya.
Verle dar los vacilantes primeros pasos, que equivalen a… ya anda. Estar al acecho y saborear cada palabra de nuevo cuño que sale farfullada por sus labios…, que equivale a: aprendió otra, ya habla.
    Pero, en cierto modo, ni siquiera eso es para nosotros. Hasta eso parece hurtado, robado, de un modo indefinido que yo no sé expresar. Algo a lo que no tenemos derecho, que no es legalmente nuestro."

Este extraordinario monologo abre la novela Me case con un muerto de William Irish y también la película en la que se basa  (mucho más corto, dejando lo esencial, mientras la cámara muestra al mismo tiempo la imágenes que va describiendo)  En  Argentina la conocimos con el título de "La mentira candente" dirigida por Mitchell Leisen en 1950,  y que en la voz poderosa, llena de matices, de la inconmensurable Barbara Stanwyck adquiere ribetes mágicos y subyugantes. 

                               La fascinante apertura de La mentira candente