LA VIOLENCIA ESTA EN NOSOTROS

 

TAXI DRIVER (Martin Scorsese, 1976)

Para sobrellevar el insomnio crónico que sufre desde su regreso de Vietnam, Travis Bickle (Robert De Niro) trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Es un hombre insociable que apenas tiene contacto con los demás, se pasa los días en el cine y vive prendado de Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva rubia que trabaja como voluntaria en una campaña política. Pero lo que realmente obsesiona a Travis es comprobar cómo la violencia, la sordidez y la desolación dominan la ciudad. Y un día decide pasar a la acción.

Pese a ser un "fan" del cine de Scorsese, nunca había visto "Taxi Driver", enorme impacto en su momento, y una de las películas que más se ha repuesto en salas -en diferentes épocas- de su filmografía.

Hoy la plataforma de streaming HBO MAX la recupera en todo su esplendor.

La película es de una potencia y riqueza narrativa apabullante ! Es más, por su modernidad, por los temas que trata y su carga de violencia cuesta creer que es de 1976 (parece hecha la semana pasada)

Sin duda la película fue consagratoria para Robert De Niro en ese personaje alienado, demencial, pero también de una pureza sorprendente ! Otro tanto para Jodie Foster, que no se puede creer que con 12 años asumiera un personaje de tamaña complejidad y que lo hiciera tan brillantemente (a mi modo de ver solo comparable con la Natalie Portman de "El perfecto asesino") tanto para De Niro, como para Foster, fue el comienzo y el trampolín a la fama de carreras extraordinarias que siguen con absoluta vigencia en nuestros días.

En otros roles de menor riesgo, pero igualmente significativos en la trama, hacen lo suyo con mucha solvencia: Harvey Keitel y Cybill Shepherd.

Párrafo aparte para la banda sonora del inconmensurable Bernard Herrmann !

ABSOLUTAMENTE MERECEDORA DEL PRESTIGIO Y LA FAMA QUE LA PELÍCULA TUVO A TRAVÉS DEL TIEMPO.

LA NEGACION DEL HORROR

 

OPPENHAIMER (Christopher Nolan, 2023)

Basada en "American Prometheus", la biografía escrita por Kai Bird y Martin J. Sherwin en torno a la figura del científico J. Robert Oppenheimer y su rol en la creación y desarrollo de la bomba atómica. 16 de julio de 1945, en el desierto de Nuevo México se detona en secreto la primera bomba atómica. En tiempos de guerra, el brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer al frente del proyecto Manhattan, lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica para su país.

Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y durante el resto de su vida, se opondría firmemente a la guerra nuclear y a la todavía más destructiva bomba de hidrógeno. Su vida daría así un profundo vuelco, pasando de tener un papel fundamental en el mapa político de la Guerra Fría a ser acusado de comunista en la era McCarthy. Cuestionando su lealtad, Oppenheimer fue tachando de espía de la Unión Soviética y obligado a dimitir de cualquier función pública.

Honestamente tenía mis reservas con esta película (su duración de más de tres horas era un arma de doble filo, si no me llegaba a gustar podía ser una tortura)

pero la verdad es que me sorprendió muy gratamente; es un filme poderosisimo ! Esa extensión no la sentí en ningún momento, tiene una solidez y un ritmo narrativo notable ! Pero más allá de todas sus virtudes cinematográficas, creo que los más interesante de la película es haber puesto en discusión la ambivalencia del personaje central dentro de un entramado de poder de enorme complejidad.

Al margen de sus cuestionamientos y arrepentimientos, Oppenheimer siempre tuvo plena conciencia que estaba creando un arma de destrucción masiva, en un principio no parecía tener ningún remordimiento de tipo moral. A mi modo de ver "esos arrepentimientos" llegaron demasiado tarde !

Otro punto alto de la película es su magnífico elenco, todos se lucen, pero brillan especialmente Cillian Murphy como Oppenhaimer, que trasmite a la perfección toda la ambigüedad del personaje, y en papeles decisivos: Robert Downey Jr. y Matt Damon.

Coincido con algunos comentarios respecto a lo poco desarrollados que están los dos personajes femeninos más relevantes del relato; tal vez en sintonía con la época que muestra, donde lo "realmente importante" era la conducta y accionar de los hombres, y no de las mujeres !

Aún con todo: Emily Blunt y Florence Pugh se las arreglan muy bien para mostrar su garra interpretativa en los respectivos personajes.

Es una enorme alegría que una película de esta densidad sea un éxito masivo a nivel mundial (en Argentina seguramente superará el millón de espectadores) En tiempos de un cine sobrecargado de artificio y tecnología mal utilizada; Una película que recupera lo mejor y más noble del clasicismo, demuestra que no todo está perdido !

EL SUFRIMIENTO, LA FUERZA, Y LA SOLIDARIDAD DE LAS MUJERES

IMITACIÓN A LA VIDA  (Douglas Sirk, 1958)

Hacía mucho tiempo que no la veía, Hermosísima película, tremenda historia atravesada por el racismo, los prejuicios, y la negación, muy de mujeres si se quiere, donde el sufrimiento, el dolor, pero también la fuerza y la confraternidad en la condición femenina está puesta en primer plano.

Visualmente  -desde el primero hasta el último fotograma- la película es deslumbrante !  Creo que ningún director supo trabajar el cine en technicolor como lo hizo Douglas Sirk.

Maravillosas, plenas de sensibilidad, las actuaciones de Lana Turner, Juanita Moore, Susan Kohner, Sandra Dee, y John Gavin.

EL DILEMA ENTRE EL ARTE, LA VIDA PÚBLICA Y LA PRIVADA

Disfrazada de biopic, esta película cuenta la historia -ficticia- de una tiránica directora de orquesta respetada en el medio que verá su vida desmoronarse rápidamente cuando sus oscuridades más grandes salen a la superficie.

¿Cómo es que se pierde el poder? Esa es una de las preguntas a las que "Tár" ofrece algunas respuestas. La protagonista de este film es Lydia Tár, una mujer de mediana edad, excelsa en su trabajo, tan reconocida y legitimada como temida y cancelable. Para presentar este personaje, el director se toma unos cómodos 40 minutos y recién en ese momento sumerge al espectador en la verdadera trama del film.

Justamente, este tiempo narrativo que no se apura y no entrega un personaje a medias tintas revela cómo está sostenido el poder que ostenta Lydia Tár: a través de su trayectoria, de la intelectualidad, de su clase social y desde el miedo. Sin embargo, lo que viene a plantear la película de Field es que este poder no es indestructible y que, solo con mover algunas piezas, la torre puede desmoronarse.

Acompasado con la construcción y el sostenimiento del poder, en la historia ingresa el tópico de la cultura de la cancelación, algo más que presente en nuestros tiempos sobre todo en relación al arte y a las figuras que se erigen como "intocables". La originalidad de Field radica en poner como cancelable a una mujer lesbiana, que no deja de presentarse como minoría, y que se aleja del estereotipo que desde la cultura occidental se puede, a priori, condenar.

Así, al mostrar todos los aspectos de su vida, se ve que "lo cancelado" no deja de encerrar complejidades y esto se expondrá en la caída de Lydia: esa mujer que comenzó en el relato como una persona mesurada, productiva, exitosa e influyente, irá perdiendo las riendas de su vida hasta llegar a una catarsis bestial y rozar la locura.

A pesar de ser extensa y muy hablada (en principio dos elementos "anti cinematográficos") nunca deja de ser cautivante, en su singularidad narrativa, desmiente aquellos comentarios que ponen a Cate Blanchett por encima de la película (el filme es poderoso por si mismo)

Otro aspecto interesante es mostrar ese "universo de élite" en la creación artística sin un atisbo de impostación (todo luce verdadero) y por supuesto como broche de oro esta la majestuosa composición de Blanchett, pese a su origen Australiano sigue la tradición de la grandes del cine estadounidense: esa riqueza emocional, esa energía interior, ese predominio actoral inquebrantable !

LA LUZ DE UNA ESTRELLA

Toda la magnificencia de Marilyn Monroe en su llegada triunfal a Londres; para la filmación de "El príncipe y la corista" (Laurence Olivier, 1956/57)

Estaba en "la cima del mundo" y se le notaba por todos los costados !

Muchas veces se habla de su vulnerabilidad, de sus inseguridades,  pero cuando uno la ve bajar de ese avión, caminar por ese aeropuerto,  es como que nunca nadie caminó como ella !  Es el andar de una reina, de una emperatriz, o mejor dicho de una  estrella, de una Diva  (todos términos que a ella le calzan como un guante)  pero sobre todo de alguien que tiene plena conciencia de su poder !

El viaje lo hizo con su entonces marido Arthur Miller, y en el aeropuerto la esperaban nada menos que Laurence Olivier y Vivien Leigh  (que con todo lo que ambos significaban y representaban parecían empequeñecidos frente a LA LUZ que irradiaba la presencia de Monroe).

Cuenta la leyenda que fue la propia Leigh que convenció a Olivier para que Monroe fuera la protagonista femenina de la versión cinematográfica de "El príncipe y la corista".  Obra teatral que ellos habían representado durante varias temporadas en Inglaterra,  Vivien se sentía "vieja" para asumir el rol de Elsie en cine (tenía 42 años)  Una cosa es "actuar" la juventud de un personaje en teatro y otra muy distinta en el cine, donde el primer plano te puede destruir "la actuación".

Marilyn tenía deslumbrantes 30 años y esa oportunidad significó algo así como "tocar el cielo con las manos".Tabajar con el mayor intérprete de habla inglesa era la posibilidad de ser respetada, tal vez por primera vez !

La relación fue muy difícil, no hubo mucha empatía entre ambos,  venían de mundos opuestos y sus personalidades chocaron todo el tiempo.  Pero hubo algo que sostuvo TODO (aunque sea por supervivencia y necesidad)  ambos eran productores de la película  (en el caso de Monroe debutaba con su propia productora en este filme)  y estos intereses hicieron que lo pragmático y lo cerebral prevalezca por sobre los arrebatos emocionales.

Por fortuna la película llegó a muy buen puerto, se convirtió en una de las grandes comedias de la historia del cine, donde "la formación académica" de Olivier se contrapuso de manera magnífica con "la autenticidad" de Monroe. Y de yapa fue un suceso de taquilla mundial.

El inolvidable desenlace de "El príncipe y la corista", donde el personaje de Elsie -tal cual Cenicienta- se retira del palacio con la dignidad de la gente de bien, la sensación de "el deber cumplido" y de haber vivido un sueño impensado, aunque no exento de un rasgo de melancolía por todo lo vivido,  donde vuelve a ser quien era: una simple corista.

LA POESÍA DE LO IRREMEDIABLE

 

ÉRASE UNA VEZ EN AMERICA (Sergio Leone, 1984)

Con un relato que abarca cuatro décadas durante su desarrollo, la película cuenta la historia de David "Noodles" Aaronson y sus amigos judíos: Max, Cockeye y Patsy. Desde la crónica de su infancia en el proletario barrio hebreo Lower East Side de Nueva York en la década de 1920 hasta el inicio y evolución de su carrera como gánster durante los años de 1930, cuando, como consecuencia de la Ley Seca, se convirtieron en algunos de los mafiosos más importantes y poderosos de la ciudad. Culmina con el regreso de Noodles a Nueva York en 1968 tras el fin de un exilio voluntario que él mismo se impuso para romper con todo ese mundo. Sin embargo, en el momento de su vuelta a la ciudad se enterará de la verdad sobre el destino de sus amigos y deberá enfrentarse de nuevo a las pesadillas que vuelven desde el pasado para acecharle.

Muchas veces se contrapone "Érase una vez en America" con "El padrino", se menciona el sentido trágico y crebral de la película de Coppola, con un "exceso de romantizacion o melancolía de la violencia" en el filme de Sergio Leone (Famoso por sus spaghetti western como "El bueno, el malo, y el feo", "Por un puñado de dólares")

Es indudable que el filme está narrado con un lirismo poético de belleza deslumbrante ! Pero no elude en ningún momento toda la carga de violencia y tragedia de la historia y mucho menos lo que cada uno de los personajes SON, es decir mostrados en toda su dimensión humana, con su ruindad, pero también con todas sus carencias. Y es ésta la gran diferencia, en la película (o las películas) de Coppola los personajes son de un cinismo atroz ! Exasperante ! Hasta eran capaces de predicar valores familiares "con las manos manchadas de sangre", sin que se les caiga la cara por ello !

Aquí los personajes son muchisimo mas autenticos, sus errores y aciertos son absolutamente individuales, SOLO DE ELLOS ! "No están protegidos bajo el paraguas de un clan familiar". Y aunque no lo digan en palabras, se percibe en algunos de sus rasgos, que en el fondo hubieran querido ser otra cosa a lo que son, pero no les quedó otra que SER ESO !

La mayor grandeza del filme de Leone, es que aun siendo monumental en su puesta en escena, curiosamente NUNCA deja de ser una película profundamente intimista; lo que le pasa a los personajes es mucho más importante que las historia de gangster y mafia; las vivencias personales, las historia de amor, de amistad, lealtades, traiciones, fracasos, y triunfos, es lo que realmente cuenta !

Párrafo aparte para Robert de Niro, deslumbrante al frente de un elenco excepcional.

UNA DE LAS MAS GRANDES PELÍCULAS DE LA HISTORIA DEL CINE

👉 La maravillosa banda sonora de Ennio Morricone

LA INMADUREZ EMOCIONAL

 

ERRANTE CORAZON  (Leonardo Brzezicki,2021)

Santiago es un hombre quebrado emocionalmente, que parece no tener ningún tipo de eje y está totalmente a la deriva en su vida personal. Junto a Laila, su hija adolescente, vivirá lo que parece ser un verano caótico en Argentina y en Brasil, pero termina siendo un punto de inflexión en la relación y vidas de ambos.

Excelente, audaz y durísima película sobre un hombre inmaduro emocionalmente, que parece más adolescente él que su propia hija, y para colmo de males vive su sexualidad al límite de TODO

Leonardo Sbaraglia y Alberto Ajaka

La pelicula es de una solidez y una concepción cinematográfica absolutamente moderna, sin ninguno de los vicios que se le achacan siempre al cine argentino.

Y tiene un trabajo excluyente de Leonardo Sbaraglia (merecidamente ganador del Condor de Plata y el premio Sur al mejor actor 2021) que confirma su gran presente profesional, más allá de lo que diga la taquilla (Ricardo Darín y Marilyn Monroe nacen una sola vez en la vida)

Junto con el delincuente de "Plata quemada", el yuppie pedante y racista de "Relatos Salvajes" y el lisiado de "Al final del túnel" me pareció de lo mejor que hizo actoralmente en su ya prolífica carrera cinematográfica.

Disponible en HBO MAX

Miranda de la Serna y Sbaraglia