LA LUZ DE UNA ESTRELLA

Toda la magnificencia de Marilyn Monroe en su llegada triunfal a Londres; para la filmación de "El príncipe y la corista" (Laurence Olivier, 1956/57)

Estaba en "la cima del mundo" y se le notaba por todos los costados !

Muchas veces se habla de su vulnerabilidad, de sus inseguridades,  pero cuando uno la ve bajar de ese avión, caminar por ese aeropuerto,  es como que nunca nadie caminó como ella !  Es el andar de una reina, de una emperatriz, o mejor dicho de una  estrella, de una Diva  (todos términos que a ella le calzan como un guante)  pero sobre todo de alguien que tiene plena conciencia de su poder !

El viaje lo hizo con su entonces marido Arthur Miller, y en el aeropuerto la esperaban nada menos que Laurence Olivier y Vivien Leigh  (que con todo lo que ambos significaban y representaban parecían empequeñecidos frente a LA LUZ que irradiaba la presencia de Monroe).

Cuenta la leyenda que fue la propia Leigh que convenció a Olivier para que Monroe fuera la protagonista femenina de la versión cinematográfica de "El príncipe y la corista".  Obra teatral que ellos habían representado durante varias temporadas en Inglaterra,  Vivien se sentía "vieja" para asumir el rol de Elsie en cine (tenía 42 años)  Una cosa es "actuar" la juventud de un personaje en teatro y otra muy distinta en el cine, donde el primer plano te puede destruir "la actuación".

Marilyn tenía deslumbrantes 30 años y esa oportunidad significó algo así como "tocar el cielo con las manos".Tabajar con el mayor intérprete de habla inglesa era la posibilidad de ser respetada, tal vez por primera vez !

La relación fue muy difícil, no hubo mucha empatía entre ambos,  venían de mundos opuestos y sus personalidades chocaron todo el tiempo.  Pero hubo algo que sostuvo TODO (aunque sea por supervivencia y necesidad)  ambos eran productores de la película  (en el caso de Monroe debutaba con su propia productora en este filme)  y estos intereses hicieron que lo pragmático y lo cerebral prevalezca por sobre los arrebatos emocionales.

Por fortuna la película llegó a muy buen puerto, se convirtió en una de las grandes comedias de la historia del cine, donde "la formación académica" de Olivier se contrapuso de manera magnífica con "la autenticidad" de Monroe. Y de yapa fue un suceso de taquilla mundial.

El inolvidable desenlace de "El príncipe y la corista", donde el personaje de Elsie -tal cual Cenicienta- se retira del palacio con la dignidad de la gente de bien, la sensación de "el deber cumplido" y de haber vivido un sueño impensado, aunque no exento de un rasgo de melancolía por todo lo vivido,  donde vuelve a ser quien era: una simple corista.

ÏCONOS DE UNA ÉPOCA DE RUPTURA

Fascinante documental de Ethan Hawke sobre una de las parejas más emblemáticas de la historia Hollywood. No solo hay homenaje y admiración por los protagonistas (además de un repaso maravilloso por la filmografía de ambos) también hay pasión, y un profundo amor hacia ellos. 

Y eso se nota en cada fotograma !

Disponible en HBO MAX

Leer critica de Micropsia Aquí

LA SOBREVALORACIÓN

 

Tony -el protagonista de la historia- cambia después que su esposa muere, se vuelve un ser amargado, lleno de rencor y busca todos las formas posibles para castigar a los que lo rodean como consecuencia de esa pérdida y de ese dolor.

Por recomendación de algunos críticos me puse a ver esta sobrevalorada serie; los dos primeros capítulos me resultaron francamente insoportables -una especie de teleteatro filosófico- después con el correr de los episodios la causticidad de los diálogos y algunas situaciones de genuina sensibilidad la fueron rescatando de la pesadez y se tornó más interesante.

En su "amor", casi obsesión por todo lo relacionado con la muerte y por el humor cáustico que tiene; le vi varios puntos en común con "El método Kominsky".

Ahora que ya vi todas las temporadas disponibles y que le puse la "mejor onda" capítulo a capítulo, me parece una serie indefendible ! No sé, tal vez sea una cuestión de piel, pero va más allá del "me gusta o no me gusta",  por lo menos tengo razones lógicas para que NO me guste !

Además de todo el tema de la muerte, donde temporada tras temporada se escarba siempre sobre lo mismo, me parece horrible como están presentados algunos de los personajes de la serie, por ejemplo el adolescente obeso, hijo de la novia del fotógrafo del diario donde trabaja Tony, cuya madre piensa que es gay y está obsesionada para que "debute sexualmente" y es un pobre muchacho lleno de complejos ! Otro es "la prostituta del pueblo", que está a años luz de ser la de Julia Roberts en "Mujer Bonita" (algo que me parece muy bien) el problema es que se va al otro extremo ! Aquí es presentada como una mujer envejecida, desgastada por la vida, grotesca y decadente a más no poder ! Hasta camina con las piernas entreabiertas (como ironizando que está así "de tanto abrirlas") otro tanto con el "el cartero del pueblo" que también es un personaje grotesco y escatológico hasta lo imposible ! También hay otros discutibles pero estos son los peores.

Todo esto mientras que Tony el personaje que interpreta Ricky Gervais  (protagonista y autor de la serie) es presentado como un neurótico, un amargado, un resentido (y que también es legitimo que se lo muestre así)  su personaje mira todo -y a todos-  "desde arriba", cayendo siempre "bien parado". Lo grotesco, lo ridículo, lo degradante, lo humillante, "la tierra encima" es para los otros, NUNCA PARA ÉL !.

Si Gervais quiere practicar un "Humor Hiriente" que empiece con él ! Con su propio personaje ! DE LO CONTRARIO NO VALE !

UN GRANDE OLVIDADO

https://vadevagos.blogspot.com/2015/08/dieterle.html?m=1&fbclid=IwAR11jNCTXS1QWWu2ERX92p05TDxpgtmU4LqQ2xaGlUvvYitEjb4Tn9QcE0o 

EL ADIÓS A UN ACTOR ATÍPICO

 

http://www.conlosojosabiertos.com/jean-paul-belmondo-1933-2021/

LO HUMANO POR ENCIMA DE TODO

Desde que uno comienza a ver Mare of Easttown descubrimos el abanico de personajes que conviven en una ciudad pequeña, en la que todos se conocen y están relacionados de alguna manera. Mare Sheehan (Kate Winslet), policía local, es uno de los ejes por el que transcurre la historia, el otro es la pequeña ciudad de Pensilvania en la que todo sucede. Pronto nos queda claro que Mare es una mujer que ha sufrido un trauma que le impide seguir con su vida y que utiliza su trabajo como "terapia" del tremendo drama que le ha tocado vivir.

Si bien toda la trama policial está estupendamente sincronizada y atrapa; son los conflictos humanos, las relaciones familiares, e interpersonales lo que prevalece por encima de todo:  la relación de Mare con su madre, con su ex marido, con su hija adolescente, con su nieto, con su nuera, con su hermano sacerdote, con sus compañeros de trabajo;  y también con los otros habitantes del pueblo que mantienen una ideología bastante conservadora y esa lógica "de pueblo chico infierno grande".

Mare es una mujer muy fuerte que ha sobrellevado con enorme entereza el dolor mas profundo,  y aunque no exhibe su fortaleza con soberbia, su pragmatismo por momentos se vuelve repugnante,  pero al mismo tiempo se comprende cabalmente que ese sentido práctico la mantiene viva, y sin él, hubiera enloquecido !

Todo esto encuentra en Kate Winslet a una actriz fuera de serie  (consagrada en "Criaturas celestiales" y "Titanic", y dueña de un Oscar por "El lector") en una labor llena de matices, que va de la sutileza al estallido,  o de la dureza al desgarramiento mas estremecedor.

Si bien todo el elenco es muy bueno  -de altísimo nivel-  hay otro trabajo que me impactó muchísimo, el de la acrtiz Julianne Nicholson en el personaje de Lori Ross, amiga de Mare, pero que la circunstancias de la vida  -y del relato-  harán que se conviertan en antagonistas.  Lori es la contracara de Mare,  un personaje "bien pueblerino",  que no puede salir de su lugar de "sacrificio, abnegación y sufrimiento"

Y no es que los hombres no sepamos o no conozcamos el sufrimiento, pero nunca gozosamente !   Convengamos que algunas mujeres parecen "disfrutar" de ese lugar de dolor y Lori es un ejemplo clarísimo !   Inclusive me trajo a la memoria una gran película de Lautaro Murua "La Raulito" (1975)  Hay una escena extraordinaria jugada brillantemente entre Luis Politi y Marilina Ross:  En un momento determinado el personaje de Politi intenta tener una relación sexual con "la raulito" (Ross) una mujer con tendencias masculinas,  ella lo rechaza violentamente, y el le dice:  "pero que te pasa, que querés ser hombre ??"  y ella le responde:  "Yo no quiero ser hombre, pero tampoco quiero ser mujer ! Las mujeres sufren mucho y yo no quiero sufrir !"

 

SIN NOSTALGIAS DEL PASADO

 

Cuando uno se pone a ver este tipo de archivos audiovisuales, es imposible no verlos desde el contexto de su época  -y mucho mas si se trata de un programa de la televisión Argentina- el citado archivo es "Almorzando con Mirtha Legrand" y los invitados: Astor Piazzolla y Bernardo Neustadt;  gracias a un comentario que hace Piazzolla nos damos cuenta que estamos en el día 14 de Diciembre de 1976, es decir pleno auge de la dictadura militar, que había asumido el 24 de Marzo de ese mismo año.

Es muy interesante ver el programa y observar lo que cada uno de ellos dice y como simulan una "normalidad" inexistente  (como lo hizo buena parte de la sociedad Argentina)  Neustad fiel a si mismo hasta el final,  hablando de Francisco Franco, de Mao Tse Tung, de su defensa de "las elites" y del poco reconocimiento que hay en la Argentina para con "el exitoso",  eso si, de Videla, del gobierno militar, y de todas la desgracias que estaban pasando en la Argentina, ni una sola palabra !  Es obvio que si alguno osaba decir algo al respecto al otro día no había mas programa !  De todos modos seamos sinceros:  a ninguno de los tres les importaba mucho lo que estaba pasando en el País,  vivían en "su exitoso mundo" y con eso les alcanzaba.

Aún con todo el mas interesante fue Astor Piazzola, hablando de su confrontación con los viejos tangueros, elogiando a Luis Alberto Spinetta, a Charly Garcia y al incipiente rock nacional,  calificándola como la música ciudadana del futuro  (un clarividente)  durante toda la década del '80 y buena parte de los '90 lo fue.

En cuanto a Legrand con todo lo bueno y con todo lo malo que tiene su personalidad, prefiero mil veces la de nuestros días, sin miedo a expresar sus ideas, a discutir al aire con los invitados, o a que se levanten de la mesa dando "un portazo".  A esta Legrand cínica, cuidando todo el tiempo las formas, o jugando a su mejor rol de comediante, el de "la preciosa ridícula", pero esta vez ya no en un contexto de ficción sino en un programa de "actualidad".

Aún dentro de este presente triste "lleno de pandemias de todo tipo y color" donde vivimos intoxicados de actualidad, lo prefiero a ese pasado nefasto, de falsa "normalidad" donde todos o por lo menos una gran mayoría fue cómplice.

LA EVOLUCIÓN Y SUS PADECIMIENTOS

Sarah Paulson y Cate Blanchett en una secuencia de 
Mrs. America;  primero amigas luego antagonistas

   Honestamente, me resultó muy aburrida esta miniserie, ambientada en la década del '70 sobre la lucha de las mujeres por la igualdad de derechos -es más, me costo mucho seguirla- la serie se centraliza en dos bandos: las anti feministas (lideradas por el personaje de Cate Blanchett) y las pro (que integran los personajes de Margo Martindale, Uzo Aduba, Rose Byrne, entre otras) la vi muy suscripta a la política, a la cultura, a la idiosincrasia estadounidense.

Tal vez lo mejor, lo mas interesante de la serie sucede en los últimos capítulos, cuando crece el personaje Alice Macray (Magnifica interpretación de la actriz Sarah Paulson, llena de matices y sutilezas) que en los primeros episodios aparece lateralmente como una señora conservadora, insulsa, extremadamente femenina, en el mejor y en el peor sentido de la palabra, que "vive" bajo el liderazgo de la dominante Phyllis Schlafly (Cate Blanchett) y como paso a paso va cambiando, va tomando conciencia de su profunda ignorancia, de su torpeza, del infantilismo de su personalidad, y de como ha sido usada !

Naturalmente, casi sin proponérselo, ella misma se convertirá en una feminista por derecho propio. Hay una escena muy buena del último capitulo cuando se reencuentran luego de varios años Alice y Phyllis "Ahora trabajo, gano mi propio dinero, soy una mujer empoderada" a lo que Phyllis responderá: "Fantástico ! Así eras cuando estabas conmigo ! Alice: "NO, cuando estaba contigo lo único que tenía era miedo".

Es notable como este personaje se termina adueñando de la historia hasta convertirse en una síntesis cabal del verdadero sentido de la serie. Lastima que para ello hubo que esperar demasiado tiempo !

EL MAL ESTÁ EN NOSOTROS

Aún siendo interesantísima y muy buena serie Ozark, no deja de sobrevolar todo el tiempo sobre su trama el "fantasma" de Breaking Bad. Aquí también hay personajes comunes y corrientes que se ven envueltos en circunstancias extraordinarias que los superan, y casi sin darse cuenta van entrando en un entramado, en un espiral de corrupción, ambición y degradación moral, de imprevisibles consecuencias, tanto para el espectador como para los propios personajes.

Dentro de un muy buen elenco brillan Jason Bateman y Laura Linney como ese inefable matrimonio de Marty y Wendy Byrde, gente "aparentemente tranquila", en cuyos interiores habitan las aguas más turbulentas.

Sin olvidar a Julia Garner, en la no menos inefable Ruth. Una chica de origen marginal, que a vivido toda su vida "a la deriva", que por primera vez va descubrir sentirse "útil para algo", y defenderá con uñas y dientes su accionar hasta las últimas consecuencias.

 

ASTOR PIAZZOLA: MÚSICA Y CINE

Una de las primeras  -de las muchísimas y notables-  incursiones de Piazzola en el cine en general,  y en el cine argentino en particular.

En el enlace mi comentario sobre la película.

👉 Sitio

EL ARTE EN EL CUERPO

 

Lo que lograba Rita Hayworth cuando bailaba era ÚNICO ! Ni siquiera Eleanor Powell o Cyd Charisse -con más técnica que ella- transmiten la sensualidad, la plasticidad de movimientos, y sobre todo la felicidad, el placer, la libertad que Rita trasmite cuando baila;  como si nada de lo que uno ve hubiera estado estudiado y ensayado. Lograba que todo fuera fresco, vital !  Como si hubiera sido creado en ese mismo momento.

La inolvidable y maravillosa Rita Hayworth en una secuencia
de "Affair in Trinidad" de Vincent Sherman (1952)

El filme marcó el retorno de Hayworth al cine después de 4
años de ausencia.

JOSÉ AGUSTÍN FERREYRA, EL GRAN PRECURSOR

 

Jose Agustín Ferreyra (1889 - 1943)

Aún con todos los limites que tenía su cine: de producción, técnicos, de argumento (casi todas eran historias de folletin o  tematica "campera")  cuando uno ve una película del "Negro Ferreyra" -tal como se lo apodaba en la época- se tiene la sensación de que estas viendo cine, verdadero y autentico cine. Nunca trabajo bajo la protección de los grandes estudios (Lumiton, Sono Film, etc.) todo lo que hizo fue "a los ponchazos",  sin demasiada planificación, con la fuerza arrasadora de lo espontaneo, y ése naturalismo poético está absolutamente vigente en cada una de sus películas.

Ferreyra nació en el barrio de Constitución de Buenos Aires en una vieja casa que sus padres alquilaban a los curas vicentinos. Su padre Juan Ferreyra era de ascendencia europea y tuvo diversas ocupaciones, siempre en forma autónoma, algunas de las cuales incluían viajes al interior y al exterior, su madre Manuela Teresa del Corazón de Jesús Saavedra era de etnia negra. Durante sus estudios primarios se destacó en dibujo y pintura y también comenzó a aprender a tocar el violín pero el aprendizaje fundamental para sus futuras actividades lo hacía en las calles de su barrio.

En su adolescencia comenzó a concurrir al almacén y despacho de bebidas ubicado en Entre Ríos y Garay de Buenos Aires ya que su amigo Atilio Malinverno era el hijo del dueño. Como era un lugar frecuentado por artistas, desde payadores hasta pintores y escritores, esto lo puso en contacto con escritores como Enrique Banchs y artistas plásticos como Miguel Petrone, Angel Domingo Vena, Ceferino Carnacini, entre otros. Ferreyra participaba en sus conversaciones, escuchaba las opiniones, intervenía en las polémicas y, en fin, adquiría en esa forma desordenada y directa nuevos conocimientos.

 Por aquella época comenzó a pintar y ello lo llevó en 1907 a convertirse junto con Atilio Malinverno en los primeros escenógrafos argentinos que trabajaron en el teatro Colon haciéndolo hasta 1910 bajo la enseñanza del maestro Ferri, traído por el teatro desde la Scala de Milan. Dejó el Colón para cumplir el servicio militar obligatorio y al finalizarlo abrió con Atilio Malinverno un taller de escenografía que mantuvieron aproximadamente hasta fines de 1914, en que Atilio Malinverno pasó a dedicarse de lleno a la pintura mientras Ferreyra se encaminaba al cine.

Ferreyra leía mucho aunque sin orden, y veía cine; en especial le gustaban Chaplin, Ince, Griffith y el cine sueco. En 1915 se produjo un acontecimiento especial en el cine argentino con el estreno de Nobleza gaucha, una de las películas con mayor éxito económico y de público en el país. El mismo año Ferreyra sin otra experiencia previa que no fuera la de espectador debutó en el cine como actor y realizador con la película Una noche de garufa

Con Elena Lucena en la filmación
de "Pájaros sin Nido" (1940)

Muy poco valorado por la crítica de su época, y muchos años después reivindicado, sobre todo a partir del excelente libro de Jorge Miguel Couselo "El Negro Ferreyra, un cine por instinto"(1969).   Aquí un fragmento del libro de Couselo: "Era, pues, esencialmente intuitivo y autodidacta en todo, formado a los saltos. Lo alumbraban una viva inteligencia y ramalazos de talento natural. En el diálogo se imponía, infundía respeto, cautivaba. Tenía autoridad de caudillo. Minuto a minuto vivía la vida con regusto sensual, la gustaba y la gastaba. De contenido temperamento nervioso, rara vez el cigarrillo le caía de los labios. Amaba las tertulias y febrilmente trataba de encauzarlas hacia un proyecto concreto de cualquier índole, presto a acaudillar resueltamente, a suplir vacantes. Aunque a fuerza de intuitivo lo acuciaba el ansia de realizar y nunca terminaba las cosas del todo, redondeándolas como en borrador. Las mujeres y los amigos lo recuerdan vehemente y tornadizo en el amor.(...) Propenso, más que a la soledad, al ensimismamiento, fue sin embargo pródigo y sin dobleces en la amistad, tan receptivo como accesible. (...)La amistad no impedía el respeto, una cierta distancia, la tolerancia de admitir por igual sus largos silencios o su intempestiva entrega al diálogo. La rueda de café se interrumpía a veces, cuando el negro se escapaba hasta la librería más cercana para volver con un cuaderno escolar, donde ya mismao borroneaba ocurrencias e ideas de una próxima película, realizable o no"

"La costurerita que dio aquel mal paso" (1926)

También fue un notable director de actores -conseguía de ellos una frescura y naturalidad que viendo sus viejas películas aún hoy sorprende- Figuras de la talla de Libertad Lamarque, Floren Delbene, Herminia Franco, José Gola, Elsa O´Connor, o Elena Lucena, fueron interpretes esenciales de su filmografía.

AQUELLA OTRA EVA DUARTE

Junto a Juan José Miguez en "La prodiga" el filme de Mario Soffici

Hace algunos días vi por primera vez esta legendaria y controvertida película de Mario Soffici; primer y único protagónico de la actriz Eva Duarte -luego convertida en primera dama de Argentina y dirigente política Eva Peron- .
El filme fue realizado en 1945 y como consecuencia de estos hechos de publico conocimiento, recién pudo estrenarse comercialmente en 1984. Las críticas de la época la destrozaron ! (recuerdo especialmente la de Jorge Miguel Couselo para el diario Clarín) Es cierto que está muy lejos de las mejores obras de su director, y ni siquiera de las inmediatamente anteriores o posteriores a "La prodiga" como "La cabalgata del circo", "La gata" o "Celos". (mucho mas relevantes) Éste es un melodrama absolutamente convencional, no muy diferente a las películas que se hacían en ese lejano entonces, aquí y en otras latitudes: la clásica historia de la pecadora de turbio pasado que busca redimirse a través de un amor "limpio y sincero". En cuanto a Eva Duarte actriz, se podría decir exactamente lo mismo ! su estilo interpretativo no es muy diferente de lo que se "usaba" en la época. 

Ella y el resto de los actores practican "el mas puro arte de la declamación" ¡Que no tiene nada de malo ! Es algo perimido, pero que no deja de ser arte ! Donde se valoraba la belleza y pulcritud del texto, la palabra bien dicha ! Por encima de la espontaneidad e incluso de la acción dramática. En ese sentido la película es un muestrario de grandes voces, "de artistas del buen decir", la propia Eva tenía una voz con un sabor y una magia muy particular, y lo mismo se pude decir de Juan José Míguez, Ernesto Raquén, Alberto Closas, Malisa Zini (hablando de grandes voces) y los españoles Ricardo Galache, y Francisco López Silva (dos maestros de los tonos y la palabra)
¿Que hubiera pasado con Eva Duarte si esta película se estrenaba en su momento? Si no hubiese conocido a Juan Domingo Perón ?? Si hubiera continuado su carrera de actriz ??

Siendo quien era el personaje, y no habiendo archivo audiovisual; era más que interesante verla interactuar, "estudiarla", de una manera casi antropológica.
En lo negativo quiero decir que se la veía muy "dura", poco expresiva, como si le costara sobrellevar un protagónico absoluto, muy poco suelta; los otros actores aún dentro de ese estilo de actuación "pomposo" se los ve más desenvueltos que a ella; claro -y esto también hay que decirlo- muchos de esos interpretes tenían más oficio cinematográfico que Duarte.
A Eva se le veía muy atada a la marcación del director y a decir bien los diálogos, sin ánimo de soltarse y crear situaciones, con una gestualidad demasiado adusta, que tampoco la favorecía ! (incluso en "La cabalgata del circo" -la anterior película de Soffici- se la vio mucho más suelta que aquí)
A favor: sin duda era una mujer linda, atractiva, pero no era una gran belleza ! No tenía la seducción de una Laura Hidalgo, una Zully Moreno, Amelia Bence, o Mirtha Legrand, A ella no le quedaba otra SI O SI, que convertirse en una buena actriz para poder destacarse.

Todo el porte de Eva Duarte en "La Prodiga"

Otros elementos positivos: tenía autoridad en la presencia (era alguien importante delante de una cámara con sus ojos profundos, penetrantes) y una voz muy personal, que también le jugaba muy a favor (era su sello)
Al promediar la película le vi uno o dos momentos donde se podía percibir su temperamento (que lo tuvo en su vida personal y en su vida política, y es probable que también lo hubiera desarrollado como actriz)
Con el devenir del tiempo y la lógica evolución profesional  -puliendo muchísimo diría-  tal vez Eva Duarte se hubiera convertido en una muy buena actriz de carácter, ese era su perfil.

A diferencia de sus detractores yo le hubiera dado crédito ! (le vi pasta para moldear) "En su temperamento estaba la llave de su triunfo". El problema es que en 1945 ella todavía no lo sabía,  que ese era su caudal, su potencial !
Por lo menos es mi conjetura.

"CORTAZAR & ANTIN: CARTAS ILUMINADAS"

Manuel Antín y Julio Cortázar 

El vínculo afectuoso y de mutua admiración logró que el cuento "Cartas de mamá" (La cifra impar)  deviniera en "Circe" (1963) y "El ídolo de las Cícladas" y "La continuidad de los parques" (ambos del libro "Final del juego") se fundieran para el largometraje "Intimidad de los parques" (1964). 

En el enlace interesante síntesis de la relación autor/ director;  y una entrevista a la directora del documental 

LeerAquí

CHAVELA: "Una vida llena de dolor y soledad"

Chavela Vargas en su juventud

Aún siendo un documental valioso y muy interesante, lo que me hace ruido es que todos los aspectos mas complejos de su vida: su sexulalidad, la tortuosa relación con su familia, sus parejas, estén puestos tan en primer plano, por encima de su extraordinaria carrera artística !
Pregunto: ¿si hubiera sido una mujer heterosexual casada desde siempre con un mismo señor se hubiera hecho lo mismo ? Seguramente NO.
Esta disponible en Netflix

LO QUE EL VIENTO NO SE LLEVÓ

  Butterfly McQueen y Hattie McDaniel, las inmortales
actrices negras de ese clásico imperecedero

Y si, es cierto, la película es racista, pero eso no significa que no sea extraordinaria.
Es racista porque la época que narra el filme -y antes la novela- también lo era.
Hollywood fue plenamente consciente de esto, y por eso decidió darle el Óscar a Hattie McDaniel por su notable actuación.
Un hecho absolutamente de avanzada en 1939/40.
La última vez que la vi fue a principios de los años 2000, en una de las tantas reposiciones que se hicieron de la película; en el desaparecido cine Metro de la calle cerrito en Buenos Aires.  (aclaro que es un filme para ver SI o SI en una sala cinematográfica)  Tenía un deslumbrante trabajo de restauración, que parecía hecha "la semana pasada".

Fue una experiencia alucinante ! Ademas de no sentir en absoluto sus cuatro horas y media; todo en la película estaba tan vivo, tan vital, y hasta tan moderno, que resultaba increíble que fuera un filme de 1939.

A esta altura poco interesa si el director fue Victor Fleming, (que fue el que figuró en los créditos)  George Cukor, o su legendario productor David O. Selznick, -o una conjunción entre los tres-.

Lo concreto es que sigue siendo una de las mas grandiosas de la historia del cine, y sin ninguna duda la mas famosa de todas.

Hattie MacDaniel y su premio
Por aquel entonces los intérpretes secundarios no recibían una estatuilla, les daban una placa

Ver  Aquí

    

INGRID BERGMAN: (1915 - 1982)

Arrebatadoramente sensual ! Ingrid Bergman en una
secuencia de "Arco de Triunfo" (Lewis Milestone, 1948)

EL EQUILIBRIO DE LA INTELIGENCIA

"No fue tan trágica como Bette Davis, ni tan temperamental como Katharine Hepburn, ni tan agresivamente sensual como Joan Crawford, o tan misteriosamente seductora como Marlene Dietrich; su principal virtud fue el equilibrio, porque pudo ser un poco de cada una de ellas".

Texto: Ricardo García Oliveri;  Crítico cinematográfico




En los enlaces dos escenas inolvidables de la película de Milestone

👉Video

👉Video

40 AÑOS SIN EL MAGO DEL SUSPENSO

Ángel Faretta sobre Hitchcock en 👉Sitio

UNA OBRA MAESTRA DEL TEATRO Y EL CINE

Liz Taylor en escena

"Los pequeños Zorros" (The Little Foxes  de  Lillian Hellman) 

En 1981 la carrera cinematográfica de Elizabeth Taylor estaba terminada; venia de filmar "El espejo roto", (Guy Hamilton, 1980) -tal vez la mas floja adaptación de una novela de Agatha Christie-, curiosamente uno de los pocos países donde el filme funcionó bien fue Argentina,  Yo entonces era un adolescente, y recuerdo haberlo visto en el momento de su estreno en Buenos Aires, en el cine Gran Rex, la sala estaba repleta de publico (había que llenar el Gran Rex !)  Fue su retorno al cine después de casi cinco años de ausencia e indudablemente había expectativa. Por cierto la película tenía un elenco deslumbrante, ademas de Taylor estaban Rock Hudson, Kim Novak, Tony Curtis, Angela Lansbury.  Para los cinéfilos cada uno de ellos representaba una leyenda en si mismo, con mas pasado que presente, pero leyenda al fin. Si bien la película tenía sus buenos momentos, no estaba a la altura de semejante elenco.

Yo soy de los que piensa que nadie deja al cine;  el cine cuando te ama te da TODO ! Pero cuando te deja, te deja !  Y a Elizabeth Taylor la dejó, como a tantos otros !

Lo concreto es que con casi 49 años, su estatus cinematográfico estaba totalmente en declive,  parecía que no le quedaba otra que debutar sobre una escenario en Broadway.  La obra elegida fue "Los pequeños zorros" de Lillian Hellman,  los presagios fueron los peores,  nadie daba crédito que una actriz que jamas había pisado un escenario, que solo conocía las técnicas y el lenguaje del cine  (ya se sabe que en el escenario no existe "el corten", hay que memorizar un texto de una hora y media de duración, o tal vez mucho mas,  con todo el desarrollo y la acción dramática que eso implica)  pudiera salir bien parada de semejante desafío interpretativo.
Por otra parte "su pasado la condenaba", siempre mas famosa por sus múltiples matrimonios, romances y escándalos, que por su propia capacidad artística.  Muchos olvidaron sus notables actuaciones en "De repente el último verano" (Joseph L. Mankiewicz, 1959)  "Una venus en visón" (Daniel Mann, 1960)  La extraordinaria de "¿Quien le teme a Virginia Woolf ?" (Mike Nichols, 1966) "La fierecilla domada" (Franco Zeffirelli, 1967) "Reflejos en tus ojos dorados" (John Huston, 1967) "Ceremonia secreta" (Joseph Losey, 1968) o "Miércoles de ceniza" (Larry Peerce, 1973)

Finalmente la hora de la verdad llegó y el debut se produjo.
Las criticas no pudieron ser mejores, la obra de teatro se convirtió en un notable éxito de taquilla, los noticieros de la época mostraban las largas colas de gente para ver a Taylor en Teatro.  La actriz pudo demostrar que era tan buena en la pantalla como en el escenario
Los desafíos fueron múltiples, no solo por ser su debut teatral, también había que luchar contra varios y grandiosos fantasmas. Primero corporizarse en la piel de Regina Giddens (esa verdadera ave de rapiña)  La protagonista de la obra de Hellman (apasionante historia de voracidad y codicia) que había conocido una magistral versión cinematográfica dirigida por William Wyler en 1941 y nada menos que con Bette Davis en la piel de Regina.

Bette Davis, la protagonista de la versión cinematográfica 

Todo esto mas la versión teatral de 1939 con Tallulah Bankhead y la que se hizo para televisión en 1956 con Greer Garson y Franchot Tone como Horace Giddens.

Elizabeth Taylor recibió una nominación como mejor actriz principal en drama para el prestigioso y codiciado Tony (el premio de mayor jerarquía del teatro estadounidense)  Finalmente no ganó, pero esa nominación encierra toda una distinción en si misma

Para Taylor fue una vez mas, una demostración cabal de tenacidad y superación personal. alguien que se levanto siempre frente a las criticas, los detractores  y "el que dirán". Que vivió como quiso e hizo lo que quiso !
Como su carrera misma, empezando desde la mas tierna infancia y desde bien abajo, paso a paso, "como un joven aprendiz que entra a trabajar tímidamente en un taller de carpintería y paso a paso va aprendiendo las herramientas del oficio"
Así fue su carrera, donde la mejor escuela de actuación fue la vida misma.

Maureen Stapleton y Elizabeth Taylor en una escena de la obra de teatro

 Greer Garson  y  Franchot Tone en la versión para televisión

Duelo de titanes: Herbert Marshall, Teresa Wright, y Bette Davis en un
momento de "La Loba". Versión para cine de "Los pequeños zorros"
dirigida por William Wyler

                  Tallulah Bankhead, la actriz que estreno la obra teatral en 1939.

 Hizo bastante cine en los '30 y '40 (su mayor éxito "8 a la deriva" de Alfred Hitchcock)

No obstante sus mayores triunfos fueron en teatro

                  Tallulah Bankhead, Charles Dingle, Carl Benton Reid, y Dan Duryea

en un una escena de la obra teatral en 1939. Los tres actores también actuaron
en la versión cinematográfica;  cuando la actriz se enteró que la
protagonista de la película sería Bette Davis estalló en cólera !

Liz Taylor en un fragmento del primer acto de la versión teatral 1981